Nu toți sclavii se îmbrăcau la fel

De fapt, existau sclavi de lux, numiți peiorativ «mungos»: servitori domestici care purtau haine la fel de exuberante pe cât erau de demult, iar opulența lor vestimentară era o modalitate de a arăta că stăpânul lor avea bani și bun gust. Julius Soubise a fost, probabil, cel mai celebru «mungo»: deși ducesa de Queensberry i-a cumpărat libertatea și îl trata «ca pe unul de-al lor», manierele și îmbrăcămintea sa, specifice aristocrației britanice, l-au transformat într-un fel de mascotă pentru aceeași clasă înaltă. Deși dintr-o generație anterioară, Soubise a conviețuit scurt timp în timp și spațiu cu Beau Brummell, marele dandy originar, cel care, potrivit Virginiei Woolf, «nu se îmbrăca pentru a plăcea, ci pentru a domina». Dandysmul este o etichetă complexă în care se încadrează o serie de personaje foarte diverse: de la Brummell, care a urcat social datorită faptului că a rupt, într-un mod foarte implicit, dar revoluționar, codul vestimentar masculin strict (mici detalii care apăreau după ore petrecute îmbrăcându-se și îngrijindu-se într-un mod foarte disciplinat), la gustul pentru occidentalizarea orientalului al lui Lord Byron sau, mai recent, teatralitatea lui Quentin Crisp sau chiar uniforma imuabilă a lui Karl Lagerfeld. Nu există de fapt un stil uniform între aceștia sau zecile de personaje care ar putea fi considerate referințe ale dandyismului; dar ceea ce îi unește este atenția pe care au acordat-o îmbrăcămintei (într-o perioadă în care moda era o chestiune absolut feminină) și, mai ales, intenția cu care o făceau: pentru a-și revendica identitatea prin propria lor noțiune de eleganță. Astăzi, dandyismul este considerat în mod eronat un sinonim al eleganței masculine sec (orice ar însemna asta), dar adevărul este că, deși pare o banalitate, această revendicare a identității prin utilizarea anumitor haine este specifică celor care au nevoie să-și revendice recunoașterea în spațiul public, fie din motive de clasă, rasă și/sau gen. De fapt, cuvântul dandy s-a născut în Regența Engleză ca o etichetă peiorativă menită să-i batjocorească pe toți acei bărbați declasați care dobândeau obiceiuri și modă aristocratice. Brummel era unul dintre acei declasați, dar Soubise era și mai mult, pentru că era negru și sclav.

«Superfine: Tailoring Black Style»

Acum, Muzeul Metropolitan de Artă din New York vrea să revendice figura dandy-ului negru cu noua sa expoziție anuală, poate cea mai importantă expoziție de modă din lume. Sub titlul «Superfine: Tailoring Black Style» (10 mai - 26 octombrie), instituția americană urmărește o istorie a îmbrăcămintei masculine realizată de și pentru afro-descendenți, de la acei sclavi de lux și cei care, odată eliberați, își cheltuiau puținii bani pe croitorie din pură demnitate, până la vedetele muzicii, cinematografiei sau sportului de astăzi. Dacă spectacolul unește punctele vorbind despre dandyism, este tocmai pentru că această poveste este scrisă cu o abordare foarte clară: rescrierea regulilor eleganței prin elemente vestimentare care omagiază originile, se opun rasismului structural, revendică dreptul la lux sau chiar exprimă în mod deschis fluiditatea de gen. Dacă dandy-ul, după cum se spune adesea, nu urmează moda, ci o creează, evoluția stilului anumitor comunități afro-descendente este dandyism pur. Miles Davis (în centru) considerat unul dintre reperele dandyismului negru, în timpul înmormântării lui Jimmy Hendrix în 1970. «Va ilustra modul în care negrii au trecut de la a fi înrobiți și prezentați ca articole de lux, achiziționate ca orice alt semn de bogăție și statut, la a fi indivizi autonomi care își autodefinesc stilul și stabilesc tendințe în întreaga lume», a explicat revistei Vogue (organizator și sponsor al spectacolului) curatorul său, Monica Miller. Profesor de studii africane la Barnard College, Miller a scris în 2009 eseul «Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity», primul volum care urmărește istoria îmbrăcămintei negre din această perspectivă politică și care a servit drept punct de plecare pentru expoziție. «Spectacolul în sine marchează un pas cu adevărat important în angajamentul nostru de a ne diversifica expozițiile și colecțiile, precum și de a corecta unele dintre prejudecățile istorice din cadrul practicii noastre curatoriale», a comentat lui Andrew Bolton, curatorul șef al secțiunii de îmbrăcăminte al muzeului newyorkez.

Bell Hooks a scris într-unul dintre eseurile care alcătuiesc cartea sa «Black Looks: Race and Representation» că moda neagră a fost întotdeauna «o modalitate de a proclama identitatea, de a transforma ceea ce alții numesc exces în putere». Din acest motiv, între acele costume din secolul al XVIII-lea ale anumitor sclavi și sosirea rapperului Pharrell Williams la conducerea creativă a liniei masculine Louis Vuitton (cel mai influent brand de lux din lume) se desfășoară o poveste în care hainele, oricum ar fi, au fost un motiv de mândrie și scandal: costumele făcute la comandă ale muzicienilor și artiștilor din Harlem în anii douăzeci și treizeci ai secolului trecut (mișcarea culturală numită Harlem Renaissance), «zoot suits», acele costume largi ale negrilor și latinilor din clasele inferioare în timpul anilor patruzeci care au dat numele unor revolte polițienești în 1943, cămășile Dashiki pe care activiștii și cântăreții soul le-au popularizat pentru a-și revendica originile, stilul exuberant și studiat de prost gust al protagoniștilor filmelor blaxploitation, estetica foarte influentă a rap-ului (desigur), costumele fucsia și albastre ale «sapeurs» congolezi... fiecare stil vestimentar creat de și pentru afro-descendenți se naște cu scopul dandy de a ieși din codurile vestimentare ale momentului și de a crea un limbaj propriu în care luxul, eleganța și sofisticarea — categorii asociate istoric cu albii și/sau bogații — capătă un alt sens. Trei băieți îmbrăcați cu «zoot suits» în 1943. În acest sens, este la fel de dandy un pantof Air Jordan (care a fost popularizat tocmai printr-un act de rebeliune al baschetbalistului), un caftan ghanez pe care îl purta editorul de modă André León Talley, un papion al membrului Outkast André 3000 sau o jachetă strălucitoare făcută la comandă pe care cei de la Paisley Park au creat-o pentru Prince. Nu este vorba despre ce, ci despre de ce și cum erau purtate anumite obiecte.

Cu toate acestea, și în ciuda faptului că estetica precum cea a disco-ului sau a hip-hop-ului (și, în general, tot ceea ce numim acum modă urbană) se numără printre cele mai influente atât pe stradă, cât și pe podium, creatorii lor nu au primit niciodată creditul pe care îl merită. Pe lângă regretatul designer Virgil Abloh sau Pharrell Williams (care este de fapt muzician), au existat și există multe branduri și designeri negri, dar, deși influența lor este globală, vizibilitatea lor este mai mult decât redusă. Motivele sunt evidente. Expoziția va încerca să șteargă acea prejudecată despre care vorbea Bolton. Și, cu noroc, să facă mulți pasionați de modă să cunoască originea politică și rasială a anumitor articole de îmbrăcăminte pe care le purtăm zilnic. Un alt lucru, însă, este cina caritabilă de luni, 5 mai, care va inaugura spectacolul, faimoasa Gală MET, cel mai important eveniment de modă din lume, în care cele mai influente celebrități urcă treptele muzeului îmbrăcate conform temei expoziției și însoțite de designerul, aproape întotdeauna faimos, care le-a confecționat costumul. Este dificil de prevăzut ce se va întâmpla, dar este foarte probabil să se depășească linia fină dintre omagiu și aproprierea culturală: ca o rochie sau un costum creat cu un scop specific să devină un costum, că vor fi puțini designeri rasați prezenți (sau că vor fi mulți, dar vor fi umbriți de marile branduri) sau că fastul galei va transforma o temă (în sfârșit) revendicativă într-o mână de meme-uri fără conținut. Pentru că, după cum spune Miller în cartea cu care a început spectacolul: «Pentru negri, a se îmbrăca a însemnat întotdeauna a se îmbrăca împotriva a ceva».