Mult timp (și uneori încă și azi), când designerii își prezentau colecțiile, vorbeau despre „tipologii de femei”

Mult timp (și uneori încă și azi), când designerii își prezentau colecțiile, vorbeau despre „tipologii de femei”: femeia „romantică” (cu rochii și culori pastelate), femeia „puternică” (cu costum de inspirație masculină, evident), cea „senzuală” (cu haine mulate și/sau decoltate) sau acea frază atât de repetată cât și lipsită de sens care descria o „femeie sofisticată și sigură pe sine”. Moda este unul dintre cele mai eficiente instrumente în construirea identității, dar în secolul XX, și o parte din secolul XXI, identitățile (la plural) ale femeilor au fost închise și comunicate prin aceste etichete, ca și cum a te îmbrăca ar însemna a interpreta un rol deja scris de alții; ca și cum privirea externă, aproape întotdeauna masculină, ar fi criteriul principal în relația cu hainele.

Primele zile ale Săptămânii Modei de la Paris au fost, în acest sens, o surpriză plăcută

Primele zile ale Săptămânii Modei de la Paris au fost, în acest sens, o surpriză plăcută: majoritatea colecțiilor prezentate au avut grijă să rupă explicit prejudecățile și etichetele asociate modei feminine. Maria Grazia Chiuri a folosit o referință recurentă, Orlando de Virginia Woolf, pentru a vorbi despre construcția plurală și fluidă a identității în noua sa colecție pentru Dior. Pe un decor incredibil creat de Bob Wilson, modelele se plimbau reprezentând un fel de metaforă a diferitelor tranziții vitale ale unui individ, lucru care se reflecta în hainele lor, un amestec perfect asamblat de articole vestimentare din diferite epoci (de la epoca victoriană la primii ani 2000 cu tricoul J’adore de Galliano, trecând prin anii patruzeci ai lui Christian Dior și anii nouăzeci ai lui Gianfranco Ferré), genuri și situații, de la utilitar la ceremonios. „Vreau să demonstrez că moda este un recipient de convenții culturale și estetice, de coduri sociale”, a spus Chiuri în notele defilării. Italianca este o feministă convinsă, care în acești ani a știut să schimbe privirea casei franceze pentru care lucrează de la extern la intern. A fost acuzată de mai multe ori că este prea comercială și funcțională, dar adevărul este că misiunea ei a fost să propună o modă făcută pentru femeia care o poartă și nu pentru judecata externă. Nu există o singură femeie la Maria Grazia pentru că nu există o idee univocă despre femeie; există atâtea idei de femeie câte femei există, iar această colecție, una dintre cele mai bine lucrate și precise ale italiencei, este dovada acestui lucru.

Mai multe informații Opulență, blănuri sintetice și lenjerie intimă: de ce Săptămâna Modei de la Milano se joacă de-a mai mult decât mai mult Trei dintre propunerile din noua colecție a Mariei Grazia Chiuri pentru Dior, prezentată la Săptămâna Modei de la Paris. Sarah Meyssonnier (reuters) „Corpul tău este al tău”, scrie designerul Pieter Mulier într-o scrisoare la persoana întâi pe care au primit-o invitații la defilarea Alaïa, care a avut loc în atelierul firmei marți, 4 martie. Puține defilări (și mai ales în ultima vreme) primesc elogii unanime, dar puțini designeri actuali au viziunea belgianului, cu greutate conceptuală în fond și o minuțiozitate nemaivăzută în forme. Sculpturile cu aspect neterminat ale lui Mark Manders care decorau spațiul serveau, după cum explica Mulier, pentru a „fixa în spațiu un timp non-liniar”. La fel ca Chiuri, designerul a vorbit despre trecut fără acel substrat conservator care însoțește de obicei nostalgia, ci cu un instrument pentru a încerca să dea un răspuns prezentului: belgianul aduce un omagiu regretatului Azzedine Alaïa, referindu-se în fiecare design la măiestria pe care o avea tunisianul de a ajusta în mod inovator haina la corp, lucrând perfect și amplificat pliurile, împletirea tricotului, jacquardul, mătasea amestecată cu lycra. Dar în Mulier corpul feminin nu este o sculptură de omagiat, ci ceva real care trăiește, se mișcă (mișcarea a fost esențială în hainele din colecție) și care, mai mult decât a fi arătat, este protejat. Este dificil în acest moment să arăți o colecție estetic sublimă, dar este și mai dificil ca această colecție să se nască dintr-un discurs care astăzi este mai pertinent ca niciodată. Defilarea a fost închisă de un model cu o glugă sferică și o plasă transparentă peste toată partea superioară a corpului ei, inclusiv brațele. Nu a fost un truc estetic care a folosit corpul ca scuză, așa cum s-a întâmplat prea des în defilările de multă vreme; a fost o metaforă care a evocat haina ca ambalaj, ca adăpost și protecție.

Trei dintre propunerile din noua colecție Alaïa în timpul defilării sale la Săptămâna Modei de la Paris. Filippo Fior / Gorunway.com Nicolas Di Felice, directorul de creație al Courrèges, și-a încheiat defilarea cu o rochie tubulară care, de asemenea, ca un ambalaj, ascundea extremitățile modelului. Cu toate distanțele, motivația a fost aceeași. Brandul care, pe baza modelelor geometrice și a țesăturilor futuriste, a eliberat corpul femeilor în anii șaizeci nu trăiește nici el astăzi ancorat în trecut, ci îl reformulează pentru a răspunde momentului. „Într-un Vogue din 1964 se putea citi că punctul de vedere al lui Courrèges ar putea fi rezumat într-un ambalaj de vinil alb”, scrie designerul în notele colecției. Firma s-a născut în plin Război Rece și a transferat în modă acel cult al cursei tehnologice și spațiale care a fost trăit în anii șaizeci. Hainele sale au fost în același timp un elogiu adus viitorului și un avertisment voalat cu privire la amenințările care ocupau știrile în fiecare zi. Astăzi nu suntem atât de departe și Di Felice știe asta: „Optismul este un scop al uniunii care astăzi este mai necesar ca niciodată”, explică el, „de aceea totul se naște dintr-un gest impulsiv, înfășurarea unei pânze în jurul corpului”. Astfel, și-a bazat colecția pe articole vestimentare inspirate din arhive, dar cu senzația că sunt pe jumătate făcute: role de țesătură care ajung să fie cozi în fuste mini, paltoane patronate cu impresia că au fost făcute înfășurând corpul în țesătură, topuri dreptunghiulare reduse la expresia minimă... Corpul, urgența și mișcarea liberă ca axe într-un decor plin de confetti, ca un fel de petrecere, un carpe diem în care fiecare femeie poate și trebuie să fie ceea ce vrea ea și să facă cu acele bucăți de pânză care o înfășoară ceea ce-i place.

Trei modele cu colecția toamnă/iarnă de la Courrèges, în culisele defilării la Săptămâna Modei de la Paris. Vittorio Zunino Celotto (Getty Images) „Îmi imaginez o femeie luând pânze și obiecte de aici și de acolo, într-un act spontan, ca și cum ar răspunde la o întrebare necunoscută”, explică Julian Klausner despre debutul său la Dries van Noten (colecția masculină a prezentat-o prin fotografii). Designerul a decis, de asemenea, să folosească persoana întâi, lucru care nu se întâmpla de obicei în sezoanele anterioare și care în această săptămână a modei este poate o modalitate de a sublinia importanța autorului, a directorului de creație, în acest context de schimbări de conducere în branduri și de colecții realizate de echipe anonime. În orice caz, Klausner a ales Opera din Paris pentru a debuta, și locul a fost cel care a dat formă colecției, nu invers. Pe holurile ceremonioase ale Operei, modelele au defilat cu pânze și articole vestimentare care amestecau și ele epoci și stiluri. Paltoane grele, pulovere cu volum, fuste terminate în paiete, curele pline de ciucuri, eșarfe paisley ca funde sau curele... ca și cum Loulou de la Falaise ar fi fost muza lui Dries și nu a lui Yves Saint Laurent.

Defilarea Dries Van Noten la Opera din Paris, pe 5 martie în timpul Săptămânii Modei din capitala franceză. Peter White (Getty Images) Lui Klausner nu i-a fost ușor, Dries van Noten este unul dintre cele mai personaliste branduri care există, iar belgianul și-a petrecut jumătate de deceniu dând formă unui proiect particular atât în stilul său, cât și în modelul său de afaceri. După ce s-a pensionat anul trecut, grupul Puig și însuși Dries au decis, foarte corect, să aleagă pe cineva care lucra de câțiva ani în echipă, iar rezultatul nu ar fi putut fi mai bun. Invitații au ajuns îndoielnici și au terminat aplaudând la unison. Trecutul, de data aceasta recent, a servit pentru a privi cu ochi noi prezentul.

A ști să recitești trecutul și, mai ales, a ști să înțelegi nevoile clientelei sale feminine fără priviri sau stereotipuri externe a făcut din Chemena Kamali, director artistic al Chloé de un an și jumătate, unul dintre cei mai populari și virali designeri ai scenei. Ea este femeie într-o industrie în care puține femei conduc echipele de design (în ciuda faptului că aceasta este o industrie care trăiește din femei) și, în plus, nu are pretenții. Cunoaște perfect Chloé pentru că lucrează de ani de zile la brand și știe că stilul boem care a ridicat brandul în anii șaptezeci este unul dintre puținele care nu se demodează niciodată. Ea îl reînnoiește și adaugă volane, umeri, rochii de lenjerie. Are, de asemenea, un simț pentru a ști ce accesorii ar putea deveni succese de vânzări și care să le salveze din trecut la momentul potrivit (cum ar fi geanta Paddington de la începutul anilor 2000, unul dintre primele modele de succes). Totul pare ușor, liber și frumos în colecția Chloé, indiferent dacă este sau nu stilul preferat al celui care o privește. Pentru că aici, de asemenea, Chemena vorbește femeilor la plural și lasă deoparte etichetele și stereotipurile asociate corpului.

Defilarea Chloé, pe 6 martie la Săptămâna Modei de la Paris. Stephane Cardinale - Corbis (Corbis via Getty Images) Nu este același lucru să privești înapoi și să tragi din arhive când te gândești că orice vreme trecută a fost mai bună decât atunci când, ca în aceste zile la Paris, vezi moștenirea ca pe un instrument care poate fi recontextualizat și chiar deformat din ideile (și amenințările) prezentului, în care, din fericire, designerii încep să-și dea seama că nu există arhetipuri feminine sau corpuri de îmbrăcat pentru terți. Există femei și articole vestimentare pentru ca fiecare, cu propria ei istorie, să-și construiască propria identitate.